"Sacro e Profano" e' un film diretto da Madonna con (mi dicono, non sono un grande fan della signora Ciccone) echi autobiografici della carriera della star.

L'aspetto che mi è subito saltato all'occhio è un po' di sana pubblicità occulta per i Gogol Bordello, il cui leader Eugene Hütz e' uno dei tre protagonisti di questa pellicola, ma dato che comunque queste sonorità non mi dispiacciono, questo non ha influito negativamente sulla mia visione del film.

"Sacro e profano" ("filth and wisdom", ovvero "sporcizia e saggezza" in lingua originale) e' un intreccio di storie dei tre protagonisti che condividono l'appartamento, e che si arrabattano per portare avanti una vita non semplice, chi facendosi pagare come dominatore in appuntamenti parasessuali, chi diventando spogliarellista, chi evandendo dalla realtà rubando stupefacenti nella farmacia dove lavora.

La prima cosa che ho pensato, appena finito di vedere "La città di Dio", è di aver appena visto la versione brasiliana di "Blow" (lo so, i due film sono completamente diversi). Poi mi sono corretto: questa pellicola brasiliana ha molti punti di vantaggio su quella hollywoodiana.
Gli attori, principalmente non professionisti, anzi molti reclutati proprio nelle favelas, sono perfetti per il film, e la recitazione molto migliore di molte pellicole hollywoodiane.
Il ritmo è azzeccatissimo: nel raccontare la storia di un aspirante fotografo e di un violento bandito, entrambi nati nello stesso sobborgo, non ci sono mai tempi morti ma neanche eventi troppo accatastati uno dopo l'altro.
Infine la regia e la fotografia sono di alto livello. La storia, molto cruda ma nello stesso momento anche un po' fiabesca, è un unione di un romanzo (quello della formazione del fotografo Buscapè) e di cinema-verità o di denuncia riguardo la violenza e l'infanzia negata nei sobborghi brasiliani: un alchimia decisamente ben riuscita.

"I pezzi grossi del governo non perdevano tempo. Qualcuno è senza casa? Lo mandiamo nella città di Dio. Lì non c'era la luce, non c'erano strade asfaltate, mezzi di trasporto. Ma al governo dei ricchi poco importava dei nostri problemi: la Città di Dio era troppo lontana dall'immagine da cartolina di Rio de Janeiro"

"Dopo mezzanotte" è un "piccolo" film italiano, autoprodotto, che non annovera nel suo cast grandi attori, a parte la voce narrante di Silvio Orlando, ma ha una location di eccezione, il Museo del Cinema dentro la Mole Antonelliana, che dona al film un sottofondo poetico molto suggestivo.

La storia è semplice, ma il continuo parallelo tra reale e finzione (quella de i film d'epoca) vivacizza la narrazione. Certo alcune scene sono un po' fuori luogo ("Ricominciamo", il manifesto di Berlusconi) e la recitazione degli attori è mediocre (a parte Martino - perfetto interprete del film muto), ma la citazione iniziale (riportata sotto) suggerisce la chiave con cui valutare questa opera: una chiave nostalgica e un po' "ingenua".

"Il fatto è che al cinema ormai gli spettatori si interessano solo alle storie dei personaggi, eppure, agli inizi, nelle prime proiezioni di vetrini e lanterne magiche, i personaggi non esistevano, la gente si entusiasmava di fronte ai paesaggi e alle vedute delle città."

"Five Fingers" inizia con un ragazzo olandese che si reca in Marocco per avviare un programma di aiuti umanitari, ma viene rapito e incatenato dentro un edificio. Dopo queste scene iniziali, tutto il resto del film si svolge, a parte alcuni flashback, in un unico luogo, la stanza dove il ragazzo è prigioniero, e con gli stessi quattro personaggi (il ragazzo e tre rapitori), creando anche nello spettatore un senso di prigionia e di snervante attesa. Durante gli interrogatori che il giovane subisce, tra una tortura e l'altra, si sollevano gli strati di falsità di cui prigioniero e torturatore sono ricoperti, fino al gran colpo di scena finale.
Il film riesce a trasmettere tensione e nonostante la monotonia della scena, il lungo dialogo tra i due avversari è un gioco fatto di astuzie e inganni che appassiona lo spettatore, merito anche della recitazione dei due.

"La terra degli uomini rossi" è un film che ha riscosso molto successo al festival di Venezia, ma personalmente non l'ho apprezzato molto. La pellicola narra la storia di un gruppo di indios costretti in una riserva, pagati per fare i finti indios autentici (con tanto di arco e frecce) a uso dei turisti stranieri, e che arrivano a stento a fine mese lavorando nei campi. La vita è così dura che molti scelgono di impiccarsi agli alberi, un usanza a quanto pare molto diffusa, in netto contrasto con la vita dei ricchi fazenderos stranieri (italiani) che gli hanno rubato la terra. Stanchi di questa vita, gli indios avviano una protesta non violenta rioccupando la loro terra, ora diventata un campo a bordo di una strada.
Le tematiche del film sono forti e sono presentate in uno stile diretto, senza arricchimenti drammatici e nessun intento didascalico: "la terra degli uomini rossi" è a mio avviso un "documentario artificiale", con solo qualche storia accennata per giustificare la presenza di alcuni attori italiani, altrimenti ridotti al ruolo di semplici comparse. Insomma il tema è vivo e drammatico, ma recitazione, regia e ritmo non ne fanno a mio avviso un bel film: con un taglio diverso sarebbe potuto essere girato come documentario.

"Ti lascio, non ti voglio più, starò da solo" frase di rito nei funerali (?) indios

"Planet Terror" è uno dei due discussi episodi di "Grindhouse", pellicola realizzata da Tarantino ("Grindhouse - A prova di morte") e Rodriguez ("Grindhouse - Planet terror").
Il film si inspira chiaramente, già dal nome, al genere grindhouse degli anni 70, ovvero quei film (chiamati anche "explotation movie") con un budget basso e che cercavano una facile notorietà sconvolgendo gli spettatori (e l'opinione pubblica) con dosi estreme di violenza, splatter, sesso e/o crudeltà, senza troppo curarsi di una parvenza di realismo, dell'interpretazione degli attori e della coerenza della trama e delle scene. Un esempio sono i vari film "zombie" dove la trama - non diversamente da questo "Planet Terror", che si rifà al sottogenere - si riassume con: arrivano gli zombie, muoiono centinaia di zombie e persone nel modo più cruento, i pochi sopravvissuti riescono a fuggire e sopravvivere. La citazione del genere è sottolineata anche dalla fotografia: la pellicola è artificialmente rovinata, i colori sono invecchiati e ci sono "missing frame".
Il livello di splatter è veramente fuori scala, si vedono litri e litri di sangue e pus, un carnevale dita, gambe e braccia mozzate, quintali di pustole e "liquefazioni" della pelle umana; vi preannuncio che il clou è raggiunto in una scena di stupro da parte di un soldato (interpretata da Tarantino) che sta diventando uno zombie, con tanto di liquefazione e conseguente distacco di organi genitali ma che prosegue nel suo intento "...se mi sbrigo posso ancora farcela". Difficile non voltare lo sguardo.
Oltre all'effetto splatter, il film si evidenzia anche per la stupidità, sfacciataggine e assoluta impossibilità delle scene: a parte il coinvolgimento (molto marginale) di Osama Bin Laden nella trama, si va dal collezionista di testicoli umani alla donna che perde una gamba e dopo mezz'ora (alla faccia della riabilitazione) si attacca un mitra/lanciagranate al moncherino con il quale, oltre a guidare una moto, può volare sospinta dalle esplosioni del lanciagranate.
Insomma il film è una risata continua per tutti i 3/4 della pellicola, causate dalla stupidità di scene e situazioni, esemplare caricatura del genere grindhouse; risate convulsive intervallate da espressioni di disgusto, tra i vari "ma dai", "che schifo", "ma non è possibile", "ma che cazzo fa" dai quali anche lo spettatore dotato del più ferreo autocontrollo non può esimersi. Ma il troppo è decisamente troppo, nella parte finale lo spettatore, ormai prosciugato da ogni residua emozionie di schifo o stupore, potrebbe perdere la pazienza di fronte alla scarica finale di stupidità e assurdità delle scene, facendo sorgere qualche dubbio sul vero intento caricaturale di Rodriguez...
Insomma, un film che non può lasciare indifferenti, da guardare a stomaco vuoto, preparandosi a ridere per le assurdità presenti, ma fosse durato la metà sarebbe stato più apprezzabile. Gli assegno un voto positivo, perchè il film è divertente, certo che se siete abituati a vedere solo commedie sentimentali all'italiana non resisterete più di 6 minuti alla visione di "Planet Terror", ovvero il tempo che intercorre tra l'inizio del film e la prima castrazione umana.

Mamma: "Se qualcuno si avvicina alla portiera, sparagli"
Bambino: "Anche papà?"
Mamma: "Soprattutto papà"

Il titolo completo è "L'assassinio di Jesse James per mano del codardo Robert Ford". Un bel film, ma da non vedere il sabato sera con gli amici, se non volete che si addormentano. La pellicola, una sorta di doppia biografia Jesse James (il famoso bandito di fine 1800) - Robert Ford (uno della sua banda che lo ha poi ucciso), scorre molto lentamente, con qualche "scossa" data da qualche sporadica scena violenta.
Si ha l'impressione, più che di vedere un film, di sfogliare un album di fotografie, fotografie bellissime che riprendono le sconfinate praterie americane, vento grano e neve, un paesaggio che, sembra suggerire il film, nella sua grandezza e durezza ha dato i natali ad una generazione di banditi, i perdenti della guerra civile, rozzi e ignoranti ma vogliosi di fuggire dalla dura vita della campagna. Di contrasto ai grandi spazi della campagna ci sono i ristretti ambienti cittadini: gli interni sono scuri, con forti giochi di ombre, è quello il territorio del "governo", un sovrano che i banditi, di militanza sudista, non riconoscono. Insomma ciò che colpisce del film sono le immagini, che accompagnano questa storia fatta di difficili rapporti tra i membri della banda, più che di rapine e sparatorie.

"Across the universe" è esattamente quello che vi sareste aspettati da un musical ispirato ai Beatles: un film vivace, colorato, impegnato ma non troppo, pieno di sentimenti e passioni. La trama è per forza di cose semplice, quasi obbligata per un film ambientato nella gioventù americana degli anni 60, e sembra quasi che sia la trama a commentare la colonna sonora, non il contrario. Dalla visita di leva, alle passioni e disperazioni dell'amore, alle droghe e all'amicizia, tutto è raccontato da una stupenda colonna sonora made in Liverpool, reinterpretata magistralmente (sia musicalmente che coreograficamente nei balletti) da molti artisti, tra cui spiccano Bono e Joe Coker; e' proprio la musica, unita a delle immagini forti, colorate, visionarie, che fanno di questa pellicola un capolavoro.

Hey Jude don’t make it bad,
Take a sad song and make it better,
Remeber, to let her into your heart,
Then you can start to make it better.
Hey Jude don’t be afraid,
You were made to go out and get her,
The minute you let her under your skin,
Then you begin to make it better.
And anytime you feel the pain,
Hey Jude refrain,
Don’t carry the world upon your shoulders.
For well you know that it’s a fool,
Who plays it cool,
By making his world a little colder.
Hey Jude don’t let me down,
You have found her now go and get her,
Remember (Hey Jude) to let her into your heart,
Then you can start to make it better.
So let it out and let it in
Hey Jude begin,
You’re waiting for someone to perform with.
And on’t you know that it’s just you.
Hey Jude, you’ll do,
The movement you need is on your shoulder.
Hey Jude, don’t make it bad,
Take a sad song and make it better,
Remember to let her under your skin,
Then you’ll begin to make it better

Fa impressione vedere un film e la mattina dopo sentire al TG che un attore (Heath Ledger) è morto. Putroppo ci ha lasciati a soli 29 anni e con una carriera in ascesa.

"Io non sono qui" è un film su Bob Dylan. Non è una biografia nel senso classico: se non si conosce già la storia della sua vita, è difficile capire molte scene del film. L'intuizione è geniale: Dylan non viene interpretato da un attora ma da 6 attori diversi, ognuno che interpreta un personaggio diverso (anche nel nome) ma rappresentativo di un aspetto della personalità o della storia di Dylan. Il film è come una canzone poetica di Dylan sullo stesso Dylan, con alcune parti della sua vita raccontate con larghe licenze poetiche (il bambino vagabondo e il vecchio Billy the Kidd) e altre con un occhio quasi critico e realistico, sicuramente rispecchia l'ecletismo e i cambiamenti della vita di questo grande artista. Un bel film, ma ripeto, potreste non apprezzarlo se non conoscete la storia di Dylan.